Saskia Fischer (1986 Stuttgart, Alemania) es una artista interdisciplinar que fomenta la exploración de nuevos paradigmas artísticos reflexivos sobre nuestra identidad en el mundo en relación al paisaje y urbanismo. A través de imágenes, objetos, textos y espacios -tanto cerrados como abiertos, su trabajo examina nuevas formas de entender nuevas identidades posibles en el mundo occidental. ¿Qué es lo “natural”? ¿Qué espacio ocupa la mujer en los lugares públicos? ¿Cómo habita la comunidad queer la ciudad? ¿Qué hay de nosotros en la materialidad?
Hablamos con Saskia Fischer sobre arte, interseccionalidad, espacios públicos, la importancia de la riqueza cultural familiar, la brecha salarial, y muchas otras cosas.
1. ¿Cómo ha sido el proceso de evolución de tu trabajo desde que comenzaste como artista?
En los últimos ocho años, he centrado mi práctica en la relación entre la identidad y el paisaje. Esto es tan simple y relatable, pero al mismo tiempo increíblemente complejo como tema de investigación. El primer trabajo con este enfoque fue la obra escultórica État (2018), donde principalmente observé la arquitectura y la enorme falta de representación femenina en el urbanismo. Desde ahí, fui profundizando en los discursos sobre la división naturaleza-cultura, ecología, queer-feminismo y posthumanismo, lo que me llevó a las obras fotográficas Violets (2021) y Pansies (2024), y la instalación de neón y vidrio Lights (2022), todas ellas pensadas para el espacio público. Recientemente, la performance site-specific Stirling Ballet (2024), encargada para el ala postmoderna de la Staatsgalerie en Stuttgart. Mi trabajo más reciente, The Night Gardener (2025), es un cortometraje sobre la otredad, el lenguaje y el medio ambiente.
Regularmente, prefiero que mi trabajo esté arraigado en una ubicación y contexto específicos. Sigo regresando a los mismos métodos y motivos en mi práctica artística: la creación de imágenes a través de lentes, el trabajo con vidrio y el metal, la performance y el texto. Ese es mi repertorio material. Una evolución que es inseparable de mi crecimiento personal, sin que el trabajo sea explícitamente sobre mí.
The Night Gardener (2025) por Saskia Fischer. Cortesía Saskia Fischer
2. ¿Cuál es la primera conexión con el arte que recuerdas?
Recuerdo catálogos y postales de Rodin y Chagall en casa de mis abuelos, mientras la radio de música clásica sonaba en la cocina. Mi madre me llevó a Stuttgart a ver las pinturas de Yves Klein. De niña, me animaron a aprender a tocar el piano y a hacer teatro, y aunque no crecí en un entorno económicamente privilegiado, tengo la suerte de haber crecido en una familia que valoraba la educación cultural.
3. Tu trabajo Lights es un diálogo entre la identidad y el paisaje, ¿cómo llegas a representar nuevos símbolos y paradigmas para las mujeres y las personas queer dentro de su visibilidad en la sociedad? ¿Qué nos puedes contar sobre la reflexión detrás de ello?
Lights fue concebido en 2022 para apiece, una galería vitrina independiente en Vilnius, ubicada en un parque público. Desde la propuesta hasta la ejecución, traté el trabajo para este espacio como arte público. Lo maravilloso de esta galería es que puedes trabajar en el espacio público sin estar limitado por las condiciones externas. Seguramente no es la única razón, pero un factor importante que afecta al arte en el espacio público es que utiliza materiales específicos, y a menudo es monumental e imponente. Muchas veces está incrustado en un contexto arquitectónico que no habla de igualdad, ni siquiera lo considera. Hay tan pocos ejemplos de edificios, plazas y arte en el paisaje urbano realizados por mujeres, o que hablen de las mujeres, y mucho menos de las personas queer. Quería marcar la diferencia con esta oportunidad y a través de mis elecciones materiales. El neón, con sus alusiones a la vida nocturna y como forma de comunicación pública, me pareció el medio adecuado para dirigirme a un público diverso.
La obra está hecha de seis luces de neón, cada una con forma y color diferentes, que cuelgan libremente dentro de la vitrina. Propone un nuevo lenguaje y símbolos para el entorno urbano. En lugar de frases pensadas o una gran declaración, Lights está compuesto por escritura intuitiva que se transforma en una señalización especulativa para el futuro del espacio público. Las formas son sorprendentemente antropomórficas y animadas. Lo maravilloso de Lights es que irradia hacia el área circundante, extendiéndose más allá del perímetro de la galería. El objetivo era aportar alegría, color y formas orgánicas a ese lugar. Quería divertirme y compartir ese entusiasmo con el público en general, sin el peso de un mensaje pesado.
Estoy muy orgullosa de Lights y enormemente agradecida con las curadoras Aušra Trakšelytė y Milena Černiakaitė por encargarme esta obra para su espacio en Vilnius. Ellas tuvieron mucha confianza en mí y en la idea detrás de este trabajo. Desde esta primera exposición, Lights se ha exhibido en siete lugares diferentes dentro de Europa en los últimos dos años.
Lights (2022) por la artista Saskia Fischer. Foto Paul Kuimet. Foto cortesía Saskia Fischer
4. Vemos que priorizas trabajar con luz y vidrio, ¿qué significan los materiales con los que sueles trabajar para ti?
Lo que me fascina son las aparentes contradicciones incrustadas en el vidrio. Es duro y frágil, industrial y artesanal, tiene miles de años de historia y, a la vez, es un material altamente tecnológico. Es doméstico, aunque se encuentra en abundancia en contextos comerciales. La luz tiene una atracción y un poder tan fuerte, especialmente cuando se combina con vidrio. Me resulta fascinante cómo el material adquiere un significado diferente cuando surgen términos como "techo de cristal", que describen barreras invisibles que la mayoría de las personas marginadas apenas pueden superar.
Lights (2022) detalle de vidrio. Por la artista Saskia Fischer. Foto Paul Kuimet. Foto cortesía Saskia Fischer
5. En este mismo trabajo, ¿qué valor tiene el color en cada pieza?
En mis estudios de licenciatura, estudié intensamente a Josef y Anni Albers. Fue en una exposición en Düsseldorf en 2012 cuando vi por primera vez la obra en vidrio de Josef Albers. Leí su libro Interacción del Color, hice los ejercicios y aprendí sobre fenómenos ópticos y el color como un signo cultural. Continué con Michel Pastoureau. Su libro sobre el color azul es alucinante. Una de mis primeras obras, Thirty Slides (2012), surgió como un resultado directo de esta investigación. Es una fotografía de bodegones de diapositivas de colores en una caja de luz arquitectónica. Veo tanto en esta fotografía que luego se convirtió en la base formal de Lights (2022). En esta obra, en particular, quería que fuera colorida, alegre y festiva, y que contrastara con el gris y la seriedad de la arquitectura y el asfalto en los paisajes urbanos. Miré la gama de vidrio de colores disponible y cómo esos colores podían combinar con neón o el gas argón, que emite rojos-naranjas y azules. Quería tener una gran variedad de colores y jugar con el contraste entre el color del vidrio y la descarga del gas en cada elemento.
Saskia Fischer Thirty Slides. Foto cortesía de Saskia Fischer
Lights (2022) por la artista Saskia Fischer. Foto cortesía Saskia Fischer
6. El neón crea una plasticidad que genera una atmósfera expansiva a su alrededor. ¿Qué cambios has observado en el proceso de trabajo de la pieza en tu estudio comparado con su instalación al aire libre?
Hay una transformación que sufre una pieza cuando la introduces en un espacio de exposición. Al menos, así lo siento yo respecto a mi trabajo. Uso menos mi estudio para la producción, pero como un lugar para pensar y conceptualizar la obra, mientras que la mayor parte de la producción tiene lugar fuera del estudio, en instalaciones especializadas y talleres. El estudio y los talleres cumplen objetivos muy prácticos. Son excelentes lugares para la experimentación, mientras que el espacio de exposición tiene el potencial de elevar una pieza de un estudio a una obra final. Mientras que muchas obras se benefician de una situación tipo "cubo blanco", en el caso de Lights (2022), ocurre lo contrario. El contraste de los neones con el paisaje urbano fue fantástico. La pieza prosperó en ese entorno. O cuando exhibí una de las luces en un palacio barroco el otoño pasado: es ese contraste lo que hace que la obra cobre vida.
Lights (2022) por Saskia Fischer. Exposición Monrepos (2024). Lights Eternal Blossoming. Foto Doku Ansicht 
Lights (2022) para apiece, Galería vitrina independiente en Vilnius. Foto cortesía de Saskia Fischer.
7. Leemos en tu biografía que tu trabajo es en gran parte un debate sobre la feminidad, lo "natural" y la figura de la mujer. ¿Podrías hablarnos sobre el debate que plantea tu trabajo?
Muchos de nosotros estamos familiarizados con las afirmaciones que comienzan con "Está en la naturaleza de una mujer..." o hemos escuchado a alguien decir que la homosexualidad sería "antinatural", o que la trans-actividad no existiría en la naturaleza, o hemos escuchado teorías racistas. Cosas desagradables que intentan usar el término "naturaleza" como un medio para controlar y colonizar nuestros cuerpos.
Eso me hizo interesarme por entender y aprender desde la cuestión ¿Qué naturaleza están mencionando? Resulta que la mayoría de las personas parece tener una idea clara de lo que es la naturaleza, pero no pueden describirla. ¿Por qué? Porque la naturaleza no existe como una cosa, como un objeto: solo existe como un concepto vago y, en partes, contradictorio, basado en una comprensión binaria defectuosa del mundo. Debemos desafiar esta idea equivocada de la naturaleza y del 'mundo natural' si queremos hacer valer nuestro derecho a la autodeterminación y autonomía corporal, ahora y en el futuro.
8. ¿Cómo combinas la escritura con la creación artística? ¿Cómo surge esa sinergia y qué tan importante es la práctica de escribir en tu obra?
Escribir es muy difícil. Me cuesta mucho, pero es un buen ejercicio para verbalizar y entender qué es lo que estoy haciendo y qué quiero lograr. Desde mis estudios, sigo llenando cuadernos Moleskine, uno o dos cada año. Ahora tengo tantos. A veces regreso a ellos, miro dibujos y notas que hice en ciertos momentos, revivo sentimientos y pensamientos que tuve, ideas que todavía esperan ser realizadas. Con los años, una práctica de escritura creció a partir de este ejercicio de hacer anotaciones, llevar registros y dibujos. No me di cuenta completamente hasta hace unos años de cuánto mi trabajo ha comenzado a explorar el lenguaje. Lights (2022) está basado en una escritura intuitiva y en la comunicación con un público diverso, The Night Gardener (2025) explora el lenguaje y el mito desde la perspectiva de un otro migrante, y hay textos y poemas que he publicado, como A (2017) y The City is a Forest (2019–2022).
9. ¿Cómo es la vida como artista mujer?
La brecha salarial de género en las artes visuales en Alemania es del 30% – no estoy bromeando. El ingreso medio de las artistas mujeres es de €16,686, con la mitad de todas las artistas ganando menos de €5,000 con su trabajo artístico – para recordar, el umbral de pobreza para un hogar unipersonal en este país está actualmente en €14,955. Nueve de cada 10 artistas enfrentan la pobreza en la vejez. Si crees que esto es deprimente, mira las estadísticas sobre los artistas con responsabilidades de cuidado.
El dinero suele ser una lucha y un lugar de gran ansiedad, especialmente cuando tienes que pagar a colaboradores pero no estás ganando lo suficiente tú misma. Creo que muchas de las asimetrías que experimentamos provienen de una distribución desigual de recursos financieros, pero también de una falta de educación, lamentablemente. Hablar sobre dinero no es vergonzoso ni difícil, ¡es necesario!
Entonces, ¿cómo es ser una artista mujer? Puede ser la vida más fantástica si encuentras amigos, aliados, familia, compañeros, personas en las que confíes y colaboradores con los que te lleves bien. Encontrar apoyo afectuoso es lo más valioso, porque te llevará por mucho tiempo al futuro.
